نمایشگاهی از گرافیک های معماری "فقط ایتالیا!" در ساختمان مهندسی گالری ترتیاکوف برای عموم آزاد است. نیمی از نمایشگاه شامل مواردی است که از مجموعه بنیاد سرگئی چوبان تشکیل شده است ، نیمی از نقاشی های گالری دولتی ترتیاکوف و برخی دیگر - کارهای چهار هنرمند معمار معاصر: ماکسیم آتایانتس ، سرگئی کوزنتسوف ، میخائیل فیلیپوف و سرگئی چوبان
این نمایشگاه به دلایل زیادی کاملاً شگفت انگیز است. اول از همه ، گرافیک های معماری با کیفیت بالا ، ماده ای است که برای خودش دفع می کند. بررسی آن از ورق به ورق دیگر ، بررسی دقیق فرها ، سایه ها ، پرسنل ، نظم یک لذت کامل است.
از طرف دیگر ، نمی توان گفت که معماران اغلب در گالری ترتیاکوف نشان داده می شوند. آنها تقریباً هرگز در آنجا نشان داده نمی شوند. و در اینجا - نمایشگاه نه تنها چیزهایی را از انبارهای گالری ، مواردی که شانس کمی برای نمایش در زمان دیگری دارند ، با ورق هایی از مجموعه صندوق Tchoban که در برلین ذخیره شده است ، متحد کرد. در مرکز همه چیز ، مانند تاج آفرینش ، نقاشی های معماران مدرن قرار دارد.
طراحی این نمایشگاه متعلق به دفتر SPEECH و سرگئی چوبان است که کارهای معاصران خود (از جمله آثار وی) را در یک سالن کوچک روتوندا تنظیم کرده است. در گالری اطراف او ، گرافیک قرن بیستم به نمایش گذاشته شده است. با فاصله ، در دو فضای مستطیل شکل دیگر ، ورق های قرن 18 و 19 به نمایش گذاشته می شوند که به دو بلوک تقسیم شده اند: "تولد یک مضمون" و "روسیکا" (آثار خارجی ها در روسیه). بنابراین ، گاهشماری در فضای نمایشگاه در دایره هایی متفاوت می شود ، یا به عبارت دقیق تر ، از گذشته به امروز همگرا می شود: چیزی مانند دایره های روی آب ، فقط برعکس.
لازم به ذکر است که SPEECH به طور مداوم انگیزه سالن گرد را در کار خود با طراحی نمایشگاه توسعه می دهد: کافی است نمایشگاه "موزه گرافیک" را در ArchMoscow در سال 2013 به یاد بیاورید (زمانی که موزه گرافیک برلین هنوز باز نبود) ، یا دو طرح از نمایشگاه غرفه روسیه در دوسالانه معماری ونیز: دیورامای زیبا از شهر ویشینی ولوچوک در سال 2010 و "پانتئون" از کد QR 2012 ، اخیراً
در Zaryadye بازآفرینی شده است. سالن های گرد در طراحی نمایشگاه های مدرن کاملاً نادر هستند - فضای روتوندا برای نمایشگاه خیلی راحت نیست ، زیرا تمایل به غرفه سازی نمایشگاه ها دارد و به خودی خود مهمتر و ارزشمندتر به نظر می رسد. این یک معبد است ، نه یک موزه ، یک مکان تمرکز یا حتی یک سرویس.
این کیفیت دور مورد تأکید قرار گرفته و در حلق آویز استفاده می شود. گرافیک های زمان جدید مطابق با تمام قوانین نمایشگاه موزه و با احترام لازم به نمایش گذاشته می شود. در فضای چرخشی سمت چپ ، صفحه گرافیکی از ارزش خود متوقف می شود و به یک بخش تابعه از طرح فضایی تبدیل می شود. ورق های آتایانتس ، کوزنتسوف ، فیلیپوف ، چوبان در دو ردیف آویزان شده اند ، بدون اینکه توجه خاصی به هر اثر خاص به عنوان ارزش موزه ایجاد شود (گرافیک قرن 20 در گالری دایره ای به عنوان یک گذار است ، خود چرخش موزه را از بین می برد) سختگیری)
معنی بیانیه به اندازه کافی روشن است. گرافیک مدرن در اینجا کاملاً نمایشگاهی نیست بلکه نمایانگر واقعیت وجود آن است - مأموریت ادامه و احیای سنت نقاشی کلاسیک. این بخشی از یک معبد خیالی هنر است ، در حالی که مجموعه تاریخی چیزی شبیه به مقدسین آن است ، مخزنی از نمونه های با ارزش.
این مشخصه که بیانیه داخلی پلاستیکی ، که به طرز ماهرانه ای محتوای نمایشگاه را تفسیر می کند ، در چارچوب زبان کلاسیک ها باقی می ماند. کاملاً بدون سفارش ، اما جزئیات و تجربیات فضایی توسط برگهای گرافیکی واقعی به سالن گرد اضافه می شوند. آنها معماری زودگذر او هستند.به عنوان مثال ، ضلع گرد Pantheon را در نظر بگیرید که با یک ستون برجسته از طاقهای تخلیه مشخص شده است: "پانتئون در پانتئون" بازی شروع شده را بیشتر ادامه می دهد ، در حال حاضر در یک فضای خیالی در پشت صفحه گرافیک.
به آنچه گفته شد ، باید اضافه کرد که این نمایشگاه ، با شروع "بنیانگذاران" قرن 18 ، بیشتر به طور خاص سنت تحسین ایتالیا در روسیه را کاوش می کند ، و نزدیکتر به 21st معلوم می شود که این سنت در اینجا برخی از ویژگی های کاملاً ویژه ای ، خالی از یادداشت تحسین و به معنای خوب وسواس ، که با ظرافت بسیار زیادی توسط شکل معبد سالن گرفته می شود. هیچ کس به اندازه ماکسیم آتایانتس صادقانه به مطالعه در مورد اشیاques عتیقه نمی پردازد. هیچ کس فکر نمی کند که معماری او از یک منظره آبرنگ به وجود آمده است ، مانند میخائیل فیلیپوف. هیچ کس به اندازه ذاتی ژانر گرافیک معماری مانند سرگئی چوبان که موزه آن را ایجاد کرده و سرگئی کوزنتسوف که دائما به هوای آزاد می رود ، به ارزش ذاتی ژانر معماری متعهد نیستند. با هم ، نتیجه یک پدیده ناهمگن ، اما مطمئناً منحصر به فرد است.
ما با هر چهار غرفه دار اتاق نقاشی معاصر صحبت کردیم.
سرگئی چوبان Archi.ru:
آیا این واقعاً بزرگترین نمایشگاه نقاشی های معماری است که با مشارکت بنیاد شما در حال حاضر ساخته شده است؟
سرگئی چوبان:
- فکر می کنم بله. هم از نظر تعداد آثار ارائه شده و هم از نظر دوره تحت پوشش ، این بزرگترین نمایش است. در اینجا آثار نویسندگان برجسته اروپای غربی ، بنیانگذاران مکتب طراحی معماری قرن هجدهم و تعداد زیادی گرافیک از هنرمندان و معماران برجسته روسی که فعالانه در این زمینه کار می کردند ، آورده شده است.
نمایشگاه های گرافیک معماری ، که توسط بنیاد شما سازماندهی شده است ، در حال حاضر با توالی خاصی شکل می گیرند. آیا یک برنامه کلی ، بردار توسعه وجود دارد یا هر بار طرح دوباره اختراع می شود؟
S. Ch: به طور کلی ، هر بار که از نو اختراع می شود ، گرچه ما اصول خاصی داریم. به طور خاص ، ما تلاش می کنیم تا با موسسات برجسته موزه کار کنیم. یکی از پروژه های بعدی ما با آلبرتینا از وین خواهد بود. دکتر شرودر [مدیر موزه آلبرتینا در وین - Archi.ru] در سالن های موزه ما در برلین بود و ابراز تمایل کرد که یک پروژه مشترک بسازد - ما از این موضوع بسیار خوشحالیم و از این پیشنهاد افتخار می کنیم. پروژه های دیگری نیز وجود دارد.
برنامه هایی برای کار با موزه معماری Shchusev وجود دارد ، من فکر می کنم این بسیار مهم است.
شما یک مجموعه دار ، گرافیست ، طراح ، معمار هستید - این چگونه به یکدیگر ارتباط دارد؟
S. Ch: به نظر من اینها پیوندهای مختلف یک شغل هستند. در یک زمینه تاریخی ، معماران نیز هنرمند بودند. آنها نه تنها در ساختمانهای سرمایه ای ، بلکه در طراحی صحنه ، نمایش های نمایشی نیز مشغول بودند.
تا قرن 20 معماران عکاسی نداشتند …
S. Ch: من فکر می کنم که اهداف عکاسی همان اهداف طراحی معماری نیست. این نقاشی مهمترین قسمت خلاقیت انسان را به تصویر می کشد - معماری که شخص در داخل فضای طبیعی ایجاد می کند.
در همین حال ، ماکسیم آتایانتس و میخائیل فیلیپوف در حال انجام معماری کلاسیک هستند ، اما شما این کار را نمی کنید
S. Ch: البته نه ، این ارتباط مستقیمی با معماری ما ندارد. به نظر من می رسد که مطالعه معماری با طراحی می تواند نتایج کاملاً متفاوتی به دنبال داشته باشد: این مطالعه تناسبات ، و اثرات فضایی ، و پارچه و جزئیات است. بیهوده نیست که امروز ، نه تنها در روسیه ، بلکه در بسیاری از مدارس اروپایی ، دوباره به نقاشی توجه زیادی می شود ، زیرا فقط از طریق نقاشی می توانید ببینید که چگونه مواد سازه های مختلف با یکدیگر ترکیب می شوند ، پارچه ای از کوچکترین جزئیات به یکدیگر می ریزد.
نقاشی های شما در نمایشگاه ها همیشه کارهای بسیار تمام شده ای است که از طبیعت گرفته شده است. چرا طرح ها را نشان نمی دهید؟
S. Ch: اولاً ، مضمون این نمایشگاه کاملاً مشخص است و به معنای چیز دیگری نیست. و ثانیا ، نقاشی ها باید از کیفیت مستقلی برخوردار باشند. طرح ها همیشه از این کیفیت برخوردار نیستند.
آیا نقاشی شما بیشتر از مجموعه شما رشد می کند یا از معماری شما رشد می کند؟
S. Ch: فکر می کنم بالاخره این مجموعه از نقاشی رشد کرد. و بسیاری از معماری هایی که من انجام می دهم از طریق طراحی رشد می کنند. فقط مستقیم رشد نمی کند. چنین چیزی وجود ندارد که شما یک بنای دوره باستان را ترسیم کنید و سپس چیزی مشابه آن را طراحی کنید. سپس شما چیز دیگری را طراحی می کنید ، زیرا قوانین توسعه فضا متفاوت است.
*** ما موفق شدیم از سه شرکت کننده دیگر نمایشگاه ، همین سوال را که در این مورد مهم است ، بپرسیم: آیا گرافیک آنها با تصویر تاریخی متفاوت است و اگر چنین است ، چگونه.
ماکسیم آتایانتس
گرافیک شما چه تفاوتی با گرافیک تاریخی ارائه شده در اینجا در نمایشگاه دارد؟
م.ا: گرافیک ها در اینجا بسیار متفاوت هستند … من احساس می کنم که چهار غرفه دار معاصر تقریباً به همان اندازه که با دیگر کسانی که در سالن های دیگر این نمایشگاه آویزان هستند تفاوت دارند.
دوره ها متفاوت است. گرافیک مدرن نمی تواند تحت تأثیر افزونگی بصری عظیم مدرنیته قرار گیرد. طی دو سال گذشته ، عکس های بیشتری از کل تاریخ قبلی از زمان اولین داگرئوتیپ در جهان گرفته شده است. فشار افزونگی بصری ما را مجبور می کند که با نقاشی متفاوت رفتار کنیم و چیزی را از آنجا بیرون بکشیم که مثلاً در عکاسی وجود ندارد. من یک عکاس نسبتاً حرفه ای هستم ، بنابراین مقایسه این موارد برای من مهم است. اما من می ترسم که عمداً در مورد این موضوع تأمل کنم ، زیرا کار طراحی و عکاسی یکسان است … من مایلم به نوعی شادی و هیجان خود را از جلسه با این ساختمان ها ابراز کنم. احتمالاً Quarenghi همین مشکلات را حل کرده است. و نتیجه متفاوت است ، زیرا دوران متفاوت است. چگونه دیگر می توان به این پاسخ داد؟
چرا شما نه تنها عکس می گیرید ، بلکه نقاشی می کشید؟
م.ا: اما به راحتی می توانم پاسخ دهم. زیرا سازوکارهای مختلفی در این امر دخیل است. رسم نوعی یادگیری است ، تنها نوع فعالیت انسان است که در آن مغز ، چشم و دست همزمان با شدت یکسان درگیر می شوند. اگر نقاشی نمی کنید ، صرف یک ساعت فکر و تمرکز به تماشای بخشی از معماری غیرممکن است. این یک روش یادگیری است.
ما برای دیگران عکس می گیریم و برای خودمان نقاشی می کشیم. برای همسان سازی. حداقل در مورد من
آیا تا به حال از روی یک عکس نقاشی کرده اید؟
م.ا: البته من مثل هر سفیه ای که در آکادمی هنر تحصیل می کند ، شبانه از عکاسی عکس می گرفتم ، وقتی مثلاً وقت نداشتم مقاله ام را تمام کنم. بعد به نظرم رسید که راحت تر است. اکنون سعی می کنم این کار را انجام ندهم ، زیرا این یک تقلید بی معنی از روند کار است. به نظر من ، هدف از نقاشی برداشتن از زندگی است.
وقتی می کشم ، چیزی را می فهمم ، این فرایند عمیق است. چرا در حالی که سعی در دستیابی به همان نتیجه ارزان دارید ، آن را ساده کنید؟ یا در ظاهر همان. در آن مواردی که وقت نداشتید درجا کار را تمام کنید ، البته ، گاهی اوقات ، در عکس نگاه می کنید … اما این ثانویه است. شگفت آور است که اکنون ترسیم از یک عکس برای من بسیار دشوارتر و طولانی تر از طبیعت است. درسته.
سرگئی کوزنتسوف
گرافیک شما چه تفاوتی با گرافیک تاریخی ارائه شده در اینجا در نمایشگاه دارد؟
S. K: با فروتنی می گویم که ما نمی توانیم چنین کاری کنیم. من از آثار ماکسیم آتایانتس ، که منبعی در خود یافت ، خوشحال شدم که توانست غواصی کند و به جزئیات متفاوت از جزئیات بپردازد - روشن است که دشوار به معنای خوب نیست ، اما به معنای ساده بد نیست - اما با این وجود ، استادان قدیمی به چه بلندی رسیده اند ، و با صبر ، و در سخت کوشی ، و در چشم - این شگفت آور است. ما باید یاد بگیریم … من هنوز هم با حسادت به گرافیک های ارائه شده در اینجا نگاه می کنم. تسلط بر چنین مهارتی ، البته بسیار عالی خواهد بود.
آیا ترسیم معماری کلاسیک به معنای تلاش برای ساخت معماری کلاسیک است؟
S. K: نه ، اصلاً معنی ندارد. رسم معماری کلاسیک نباید به طراحی معماری کلاسیک پیوند بخورد ، همانطور که خواندن سه تفنگدار به معنای این نیست که شما فردا برای چرخاندن شمشیر آماده هستید.
پس چگونه معماری و نقاشی شخصاً با شما ارتباط دارند؟
S. K: از این لحاظ ، من یک فرد قدیمی مدرسه هستم ، برای مهارتهای ابتدایی و صنایع دستی ارزش قائلیم.به نظر من روش ساخت معماری تغییر نکرده و نباید تغییر کند: فرد باید افکار ، احساسات ، احساسات را از طریق خود منتقل کند - کامپیوتر اجازه بیان همه چیز را نمی دهد. من عمیقاً و جدی به گرافیک رایانه علاقه داشتم ، نشریات و نمایشگاه های زیادی داشتم ، این فرصت را به من می دهد تا کار را با دست و چشم مقایسه کنم - و با کامپیوتر کار کنم. وقتی شما می توانید دست خود را کنترل کنید و می توانید آنچه را که در ذهن شماست با دستان خود به تصویر بکشید ، شخصاً به شما کمک می کند و همچنین به عنوان ابزاری برای اقناع به خوبی کار می کند.
چرا گرافیک طرح را نشان نمی دهید؟
S. K: در این صورت ، مناسب نخواهد بود … این یک موقعیت آگاهانه نیست. پیشنهاداتی وجود خواهد داشت - ما نمایشگاه خواهیم گذاشت. به طور کلی ، این درست نیست ، ما آن را به نمایش می گذاریم - در نمایشگاه "معمار سال" در Arch Moscow ، ما یک نقاشی طراحی کردیم. ما تعداد زیادی طرح با کیفیت خوب داریم. به نظر من دست خط ها به سادگی مورد توجه مخاطبان قرار نخواهند گرفت. به طور کلی می گویم علاقه مخاطب به هر اثری مستقیماً با میزان کار سرمایه گذاری شده در آن متناسب است.
چگونه طراحی معماری تاریخی را شروع کردید؟
S. K: من خیلی قبل از ورود به دانشگاه نقاشی را شروع کردم. پدر و مادرم به هیچ وجه با هنر و معماری ارتباط نداشتند ، اما انواع خلاقیت ها ، نمونه سازی ها ، طراحی ها مرا مجذوب خود کرد و بنابراین دوره های مقدماتی را در انستیتوی معماری مسکو گذراندم. از آن زمان من نقاشی را متوقف نکردم. اگرچه بعد از انستیتو ، وقتی دیگر به کار دستی ، بلکه در گرافیک رایانه مشغول نبودم ، مکثی صورت گرفت.
بعداً ، شروع به کار با سرگئی چوبان ، جایی در حدود سال 2006 ، من به او پیشنهاد کردم که به شهرهای مختلف سفر کند ، معماری بکشد. از آن زمان ، ما سالانه چندین بار به طور منظم برای نقاشی معماری سفر می کنیم. اولین سفر ما به هوای آزاد در رم ، به عنوان مثال ، در رد پای پیرانسی بود.
میخائیل فیلیپوف
گرافیک شما چه تفاوتی با گرافیک تاریخی ارائه شده در اینجا در نمایشگاه دارد؟
م.ف: من نمی توانم به چنین سوالی پاسخ دهم. می توانم به شما بگویم که گرافیک معماری با منظر معماری چه تفاوتی دارد. من 30 سال عضو اتحادیه هنرمندان بوده ام و در بسیاری از مکان ها از جمله گالری ترتیاکوف و موزه روسیه به عنوان یک هنرمند نمایشگاه داشته ام. برای من این سوال کاملاً واضح است. منظر معماری که نیاکان ما درگیر آن بودند ، اول از همه ، طراحی و سازماندهی ورق با کیفیت بالا با رویکردی هنری است. متاسفانه ، بیشتر معماران شی مورد علاقه خود را به عنوان یک چشم انداز کوچک ، و نه به عنوان چشم انداز ، نقاشی می کنند.
در زمان شوروی ، من حتی تحت قرارداد آکادمی هنر به عنوان یک نقاش منظره خالص کار می کردم. در زمان پرسترویکا ، سرووها در آنجا به قدرت رسیدند - بیشتر آنها هنرمندان ، رئالیست ها ، گریتسای ، رشیتنیکوف ، نالبندیان خوب هستند … گرافیک فنی و قوی نیز در آنجا بود.
بقیه گرافیک های اتحاد جماهیر شوروی در جهت سازمان مدرنیستی ورق توسعه یافته اند: به عنوان مثال ، اگر آب سبک باشد ، کاملا سفید نوشته می شود و غیره. وقتی شروع به نوشتن کردم ، بیشتر به تفاوت های ظریف ، زنگ های میانه فکر کردم. سایه های شب سفید ، کیفیت نقاشی ، ظرافت های چشم انداز … این باعث شد من در آن زمان کاملا منحصر به فرد باشم ، این افراد قدیمی من را بسیار دوست داشتند. من تحت قرارداد کار کردم ، آمدم و به آنها نشان دادم ، آنها نظراتی دادند - به نظر می رسید استادان من را تماشا می کنند.
بنابراین من تفاوت زیادی با استادان قدیمی ندارم. اگر آنها یک نقاشی فنی ، بلکه یک منظره ایجاد نکردند. رویکرد به چشم انداز مانند یک هنرمند بود. دانشکده معماری آکادمی هنر در یک زمان کسانی را که بهتر نقاشی می کشند و نقاشی - کسانی که طراحی بدتری دارند استخدام می کند. و آنها یک دیپلم به نام "هنرمند معماری" دادند - این فرموله شده بود تا اینکه بعضی ها ، دقیقاً یادم نیست ، یک سال. من هیچ تفاوتی با آنها احساس نمی کنم ، مخصوصاً وقتی صحبت از کارهای ابتدای قرن است. من در آثار Ostroumova-Lebedeva پرورش یافتم.
اگر چه برای من یک تفاوت دیگر جالب است - شب سفید. چشم انداز روسیه در ایالات میانی ظریف بود.به عنوان مثال ، واسیلیف - ذوب شدن ، بدون زمستان ، بدون بهار ، بدون نور ، بدون تاریکی ، نیمه رنگ ، پرتوی آفتاب … شما در نقاشی جهان مناظر با کیفیت بالا را پیدا نمی کنید ، که در آن آبی روشن باشد آسمان و سرسبز روشن! شاید ممکن است رایلوف چیزی شبیه به آن داشته باشد ، یا سزان ، اما این دیگر متفاوت است.
معلوم می شود که شما دو موضوع دارید: منظر معماری و معماری شما …
م.ف: نه فرقی نداره. معماری زیبا باید با طبیعت ، با خورشید همراه باشد. من تاریخ هنر را خیلی خوب می شناسم و دوست دارم. در دهه 1980 ، برای من جالب بود که آنچه را که در دهه بیست کوتاه شد ، وقتی نقاشی به نوعی تبدیل به - شاید بسیار با کیفیت - اما مدرنیسم شد ، ادامه داد.
آیا فکر می کنید رشد با هم واقعی است؟
م.ف: بله ، این یک واقعیت مطلق است. در ژانویه سال جاری ، آن را تحویل دادم - جنگل ها از 750 هزار متر مربع از ساختمانهای مسکونی برداشته شدند.
در سوچی؟
م.ف: نه تنها در سوچی ، بلکه در مسکو یک خانه در خیابان مارشال ریبالکو وجود دارد. من به شما اطمینان می دهم ، این تجسم سبک 2001 است که سی سال پیش به آن رسیدم.
آیا این را به عنوان تجسم نقاشی خود احساس می کنید؟
م.ف: بله ، بله … من تفاوتی نمی بینم.
باور کنید یا نکنید ، من از آکادمی فارغ التحصیل شدم ، به مفهومی رسیدم و پس از آن برای اولین بار قلم مو و آبرنگ گرفتم. من در آکادمی یا مدرسه هنر ننوشتم. و اگر من می نوشتم ، غیرممکن است که ببینم در آن زمان چه کار می کردم.
*** نمایشگاه تا 27 ژوئیه (ساعت کار) باز است
